C'è ancora domani, perché divide critica e pubblico?

C'è ancora domani continua a far discutere perché non è soltanto un film “da voto alto” o “da voto basso”: è un racconto che mescola violenza domestica, memoria familiare e sguardo civile, con una regia che sceglie il bianco e nero per parlare al presente. Qui metto ordine tra le opinioni più ricorrenti, distinguo ciò che funziona davvero da ciò che viene contestato e spiego a chi lo consiglierei senza forzare il giudizio.

Perché il film ha diviso così tanto

La prima cosa che noto, leggendo le recensioni, è che il film non prova mai a essere neutro. Cortellesi costruisce Delia come una donna schiacciata da una quotidianità violenta, ma lo fa con un linguaggio che alterna dramma, ironia amara e momenti quasi teatrali. Questo sposta subito il film fuori dal territorio del semplice realismo: chi entra in sintonia con questa scelta lo considera potente, chi invece cerca un racconto più sobrio lo trova eccessivamente controllato.

La divisione nasce anche dal tema. Violenza di genere, dipendenza economica, educazione dei figli, peso delle convenzioni sociali: sono argomenti che il film mette in primo piano senza attenuare il colpo. Io credo che il suo effetto sia proprio qui, nel non offrire una distanza comoda allo spettatore. Non tutti però accettano questo patto, e da qui arrivano molte delle critiche più dure. La domanda, in fondo, non è se il film “piaccia”, ma se si accetti il modo in cui sceglie di farsi ascoltare. E questo ci porta alla sua forma, che è il vero punto di frizione.

La regia in bianco e nero è il vero spartiacque

Il bianco e nero non è un semplice omaggio estetico al cinema del dopoguerra: è la struttura stessa del film. Insieme al formato 4:3 usato nella prima parte, crea una sensazione di spazio ristretto, quasi domestico, che fa percepire la gabbia in cui vive Delia. È una scelta precisa, non decorativa, e per molti è la ragione per cui il film funziona così bene sul piano visivo.

Allo stesso tempo, è anche l’elemento che genera più resistenze. C’è chi vede in questa costruzione un tributo intelligente al neorealismo e chi, invece, la considera troppo consapevole di sé, quasi un pastiche neorealista. Io trovo che il punto non sia decidere se l’omaggio sia “giusto” o “sbagliato”, ma capire che il film non vuole imitare il passato: vuole usarlo come lente. Per questo alterna registri differenti e non si vergogna di essere, a tratti, apertamente simbolico.

Per me è proprio questa tensione tra eleganza formale e accessibilità emotiva a rendere il film interessante, al di là del giudizio finale. E la stessa tensione si ritrova nelle interpretazioni, che sono il secondo grande pilastro del racconto.

Le interpretazioni che reggono il film

Se il film non crolla sotto il peso della sua ambizione, è perché gli attori non lo trasformano mai in un esercizio di stile. Paola Cortellesi tiene Delia su un registro molto calibrato: non la rende mai solo vittima, ma ne mostra ostinazione, intelligenza pratica e una dignità che cresce scena dopo scena. È una prova che funziona proprio perché non cerca l’enfasi continua.

Valerio Mastandrea costruisce un Ivano che inquieta senza bisogno di alzare sempre il volume, e questo lo rende ancora più credibile. Romana Maggiora Vergano, nel ruolo di Marcella, porta dentro il film una frizione generazionale fondamentale: non è solo la figlia di Delia, è il punto in cui il passato rischia di ripetersi o di interrompersi. Anche i ruoli secondari, da Emanuela Fanelli a Giorgio Colangeli, aiutano a tenere in piedi il tessuto sociale del racconto, senza trasformarlo in una pura allegoria.

• Delia è il centro emotivo del film, ma non viene mai ridotta a simbolo passivo.
• Ivano rappresenta il potere quotidiano, quello che si esercita nel controllo e nell’umiliazione.
• Marcella porta in scena il conflitto tra continuità familiare e possibilità di rottura.
• I personaggi di contorno servono a mostrare che la violenza non è solo privata, ma anche sociale e culturale.

Quando una recitazione sostiene questo tipo di struttura, il film acquista credibilità anche nei passaggi più ambiziosi. Ed è esattamente qui che si capisce perché la critica abbia reagito in modo complessivamente favorevole, pur con sfumature diverse.

Cosa dicono davvero critica e pubblico

La ricezione italiana è stata molto forte: il film ha raccolto 19 candidature ai David di Donatello e ne ha vinti 6, un risultato che da solo dice molto sul suo impatto. Anche il debutto al botteghino è stato notevole, con circa 1,6 milioni di euro nel primo weekend in Italia. Non sono dati che spiegano da soli il valore di un film, ma chiariscono che qui non c’è stato un semplice consenso di nicchia: c’è stato un fenomeno culturale.

All’estero, la lettura è stata in larga parte positiva, ma con una percezione più netta del rischio formale. The Guardian e il Financial Times hanno apprezzato soprattutto la tenuta visiva, il controllo della messa in scena e la capacità di far dialogare dramma e tensione narrativa. In Italia, invece, una parte della critica ha insistito di più su un’altra faccia del film: l’ambizione, sì, ma anche alcune ingenuità e una costruzione che a tratti appare troppo esplicita. Io trovo questa doppia lettura utile, perché evita l’errore opposto: trattare il film come un capolavoro intoccabile o liquidarlo come un’operazione furba.

Il quadro che ne esce è abbastanza chiaro: il film piace molto quando lo si legge come racconto civile con una forte impronta autoriale, convince meno quando lo si misura con il metro della naturalezza assoluta. Da qui deriva anche la domanda più pratica: a chi lo consiglierei davvero?

A chi lo consiglierei oggi

Io lo consiglierei senza esitazioni a chi cerca un film italiano capace di unire interpretazioni solide, tema sociale e cura della messa in scena. È adatto a chi apprezza il cinema che lascia una traccia e che continua a lavorare dentro lo spettatore anche dopo la visione. Se ami i film che dialogano con la storia del cinema italiano e non hai problemi con una regia molto consapevole di sé, qui trovi molto da vedere e da discutere.

Lo consiglierei invece con qualche riserva a chi preferisce racconti più asciutti, meno simbolici e meno esplicitamente politici. Se per te il cinema deve “sparire” dietro la storia, alcune scelte di Cortellesi potrebbero sembrarti troppo visibili. Non è un difetto in assoluto: è una questione di aspettative. E spesso, nelle recensioni più dure, il nodo vero è proprio questo disallineamento tra ciò che il film vuole essere e ciò che parte del pubblico si aspetta da un dramma storico.

• Sì se cerchi un film che unisca emozione e lettura sociale.
• Sì se ti interessa il debutto di una regista che ha una voce già riconoscibile.
• Con riserva se non ami i finali apertamente orientati a un messaggio.
• Con riserva se preferisci il realismo minimo, senza tracce di costruzione visiva forte.

In questa prospettiva, il film non va valutato solo per la sua storia, ma per il tipo di esperienza che propone. Ed è proprio per questo che continua a pesare nel dibattito culturale.

Perché resta un film che continua a pesare nel dibattito

La forza di C'è ancora domani non sta soltanto nei premi o negli incassi, ma nel fatto che riesce a trasformare una vicenda privata in una domanda pubblica. Racconta una forma di oppressione che appartiene al passato, ma che il presente riconosce ancora fin troppo bene. Per questo non si esaurisce nella discussione sul “bel film” o sul “film sopravvalutato”: rimette al centro il rapporto tra cinema, memoria e responsabilità sociale.

Se devo chiudere con una lettura netta, direi questo: le recensioni migliori sono quelle che accettano la sua doppia natura, emotiva e politica. Il film funziona quando viene considerato per quello che è davvero, cioè un’opera imperfetta ma molto pensata, capace di parlare a pubblici diversi e di restare addosso più a lungo di quanto facciano molti titoli tecnicamente più corretti. E, almeno per me, è proprio questa la misura più interessante del suo successo.